Alexandre Samson（右）
The Curator
时尚史学家、巴黎市立时尚博物馆加列拉宫当代设计部策展人。曾于2018年主持“Margiela/ Galliera 1989–2009”展览，并出版了与 Margiela 本人合作的第一本书；2019 年，又参与了布鲁塞尔与巴黎的巡回展览Back Side 与 Fashion from Behind。
Ania Martchenko（左）
The Scenographer
出生于俄罗斯，主修舞台美术，曾担任Maison Martin Margiela的室内设计师、展览美术指导，也曾以模特身份亲历品牌的秀场。她深谙Margiela的美学语境：展览空间并非对历史的简单复刻，而是通过场景营造，将作品置于新的叙事场域。
拍摄于布展阶段的入口
展览的概念是一个“未完成的工地”
展览的序章，以一场纯粹的白色的宣言开启——这既是对Martin Margiela（马丁·马吉拉，后文简写为Margiela）标签美学的致敬，亦是对其设计原点的回归。在本次展览的入口处，一面印有“MARTIN MARGIELA 1989-2009: THE WOMEN'S COLLECTIONS”字样的透明塑料布，如“未完工”的工地隔断，将观众引入一个介于工作室与舞台之间的真实现场。
视线越过隔断，阶梯状展台以粗粝的工业语言，呈现1989年春夏系列的原始力量。黑盒空间仅以切片灯勾勒轮廓，白光边缘被白色颜料强化，延续这场首秀中的留白美学。地毯从墙面延伸至地面，将Margiela钟爱的视觉戏法从服装延续至空间。
1989春夏系列
白布上的红色脚印源于
展陈设计师Ania穿着分趾靴的行走。
将时间拉回1989年10月23日的巴黎咖啡馆，Margiela首秀的红色分趾靴足迹跨越时间，步入目里空间——曾作为Martin Margiela模特的展陈设计师Ania，以布展者身份重访旧日记忆，用轨迹完成一场跨越三十余年的对话。墙面上跃动的秀场影像与背景声中不断回响的名字“Martin Margiela”彼此交织，没有品牌符号，只有一个被时间淬炼的名字。
Martin Margiela 1989春夏系列
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
那场颠覆性的首秀中：模特面容隐于薄纱之后，分趾靴的足迹成为印刻在时尚史上的叛逆签章。当色彩被抽离、身份被遮蔽，观众的视线被迫回归服装本身的结构与精神。正是Margiela最初的叛逆，也是他留给时尚的追问——在时尚中我们究竟在看什么？
2001春夏系列
Margiela用旧衣标签构建的时装作品
Margiela的解构笔触，早已超越服装的维度。本次展览中，策展团队将他对于物件的解构与再造理念，延伸至整个空间叙事，开启一场从微观物件到宏观场域的创造性实践。
图一: 1992春夏系列
Margiela把跳蚤市场的印花丝巾改造成时装
图二：2001春夏系列
旧衣标签与手套被结解构重组为新系列
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
在Margiela的语境里，“就地取材”与“语境转换”是反复出现的手法。1992年春夏系列，他把跳蚤市场的印花丝巾改造成时装；2001年春夏系列里，又把带有个人痕迹的皮手套抽离原有功能，重组为一件衣服。类似的改造也出现在旧衣标签与商标的再利用中，自首个系列起，它们便被拼接成短款上衣，延续着对物件本质的探问。
图一及图二: 1993春夏系列
为还原1993年秀场造型
策展团队采撷杭州本地植物
图三：2001春夏系列
白裙中的透出红色
制造出仿若褪色的错视效果
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
这种思路也贯穿在展览的布置里。展陈设计师Ania在天目里园区散步时，随手采来几枝杭州本地植物，把它们点缀在1993年春夏的戏服系列中，成了最自然的装饰。而在2001年春夏系列中，Margiela本人则通过将一件红色服装套在放大的白色百褶裙内，制造出仿若褪色的错视效果（Trompe l’oeil），将解构的视觉语言进一步延伸。
拍摄于布展阶段的粉丝屋，
经过刷白处理的沙发被流线剖开，
观众得以窥见粉丝恋物的内核。
粉丝屋把这种思路推向更深处。它的灵感来自日本摄影师都筑响一（Kyoichi Tsuzuki）的摄影作品集《幸福的受害者》，那些被喜爱之物堆满的狭小空间，折射出年轻人恋物的执念。
图一及图二: 粉丝屋2009
汇集了Martin Margiela 2007至2009年间的作品
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
展览借鉴了这种“迷恋”的状态：二手市场淘来的家具经过“Margiela式改造”，被一层白色颜料覆盖，所有外在信息被抹去，只留下物件最纯粹的形态。空间呈三角形布局，沿着斜边的观展动线直击收藏的执念，而斜向的切角打破了常规的观看方式，引导观众在移动中，与“物”重新建立联系。
拍摄于布展阶段的1991春夏系列，
白色麻袋堆叠于展台之下，
再现昔日废弃停车场秀的原始感。
Martin Margiela的时装秀常常脱离既定舞台，走进地下夜店、废弃停车场、地铁站或仓库，消解观众与模特的界限。策展团队将这种精神移植至杭州的展览现场。
展览期间的目里空间
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
目里空间本身是一座极简而当代的建筑，而展览空间内部却呈现“真实”的工地状态：裸露的细木工板、带有痕迹的墙壁、粗粝的材质处理。这种反差并非偶然，而是Margiela式创作方法论的延续。
图一：拍摄于布展阶段2005春夏系列
图二：策展团队留下靴子表面脱落的涂层，
与观众共同见证时装秀发生的过程。
正如策展人Alexandre所言：“工地现场总是处于进行中，永远没有完工的状态。这种‘未完成’与Margiela对过程、结构和转化的兴趣高度契合。”
观众见证的不是既定的终点，而是正在发生的过程。这正是展览试图传递的独特感受——Margiela的时尚并非封闭的成品，而是开放的思维实验。
1989秋冬系列
以银色帷幔重现巴黎地下夜店氛围
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
1989年秋冬系列时装秀在巴黎地下夜店“Globo”上演。Margiela在这场秀中推出了被他本人称为“现象级单品”的银色分趾靴。展厅以同色系帷幔复刻了地下夜店的氛围，仿佛让人置身于舞池之中，注视着模特踏着银色分趾靴的步伐。
1992春夏系列
Ania以不羁的黑白涂鸦装点展厅，
刻画巴黎“幽灵车站”的氛围。
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
1992年春夏系列，Margiela启用了圣马丁站——一个自1960年代关闭的巴黎“幽灵车站”，并为其短暂重开。秀场之上，数千支教堂残烛缀满锈迹斑驳的栏杆。为了呼应圣马丁站的废弃之美，展陈设计师Ania则以不羁的黑白涂鸦装点展厅，其充满张力的笔触与丝巾的复古印花形成巧妙对话，构筑了视觉上的微妙平衡。
1992秋冬系列
左侧墙面内嵌从杭州二手市场淘来旧家具，
将其统一做涂黑处理并进行堆叠陈列。
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
同年秋冬系列的发布场地选于“救世军”（Salvation Army），观众席就设置在机构本身待售的日常家具之间。为忠实还原当年的秀场视角，展陈设计师Ania与团队特意从杭州的二手市场淘来旧家具，将其统一做涂黑处理并进行堆叠陈列。这些被重新塑造的家具与空间中同步播放的当年秀场影像彼此呼应：静态的堆叠结构与动态的历史画面交织，共同激活了整个空间的记忆，引领观众穿越时空，于黑暗中重温Martin Margiela的昔日创作。
布展间隙
展陈设计师Ania与团队成员探讨细节
何谓“合身”？服装的规则由谁书写？是我们穿衣服，还是衣服在穿我们？在解构身体、服装与场所的既定关系后，展览延续了Margiela对服装比例与身体的本质思考。
1994年秋冬系列，是这一命题的直观注脚。Margiela从20世纪六七十年代的玩偶衣橱中提取服装形态，并将其放大到真人尺度。那些原本属于微缩世界的比例——过宽的领口、突兀的接缝、夸张的纽扣——被完整保留，披覆在身体上时显得陌生而新鲜。
图一: 1994秋冬系列
Margiela将娃衣放大为成人尺度时装
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
这种比例上的颠覆，后来也成为他最具代表性的语言，不断被延展和深化。展厅里，硕大的拉链、非常规比例的口袋、过厚的风衣面料，共同营造出一个成人尺度的“娃屋”。熟悉感被抽离，微小被放大，现实与记忆在错位中碰撞。
拍摄于2003春夏系列布展览间隙，
展陈设计师细致勾勒轮廓。
这种探索从未停下。2003年春夏系列中，模特们身穿亮面莱卡舞袜与上世纪80年代的鞋履，走下巴黎夏约宫剧院（Théâtre de Chaillot）的大理石阶梯。细节处的粉笔线，精确地勾勒出身体与服装的关系。为了还原这一瞬间，展览设计师Ania将展架抬高，只留下模特腿部的特写。视线被迫聚焦于局部，舞袜与鞋履意外成为主角。身体的局部被放大，反而呈现出一种安静却有力的姿态。
2003春夏系列
展览设计将观众视线聚焦于模特腿部
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
1990春夏系列
由Martin Margiela本人
收藏的白色漆绘分趾靴
所有这些实验最终指向Margiela的核心哲学：回到作品。在他的世界里，没有Logo，没有设计师签名，只有四道缝线与一枚纯白标签。设计师本人从不出现在秀场谢幕或媒体镜头前，他选择让作品本身成为唯一的发言人。
1994秋冬系列
策展人Alexandre讲解
衣领处标签所记录的设计故事
当被问及Margiela的“不在场”是否增加策展难度时，策展人Alexandre坦言：“恰恰相反。他的作品本身已具备完整的表达力。我们无需看见他的面容，便能理解他的愿景。“匿名”反而让人们更专注于服装与理念本身。”
图一: 2005春夏系列
所有服装被设计为偏移45°或90°
图二：1999秋冬系列
延续超尺寸廓形的羽绒冬季大衣
图三：1996春夏系列
以错视戏法构建立体幻象
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
的确，当我们想起Margiela时，脑海中浮现的并非设计师的形象，而是那些具象的美学符号：解构主义的剪裁、超尺寸的廓形、将图像印刷于服装的“错视”戏法、远离城市中心的非典型秀场，分趾靴、白色涂料隐去外在信息以及模特脸上的面纱。
拍摄于粉丝屋布展期间
藏品来自Maison Martin Margiela
服装本体的回归，也成为一种更为持久的在场方式——当名字隐去，作品自会发声。
拍摄于2009秋冬系列布展期间
时装系列延续Margiela视错觉的设计理念
展陈空间如一条流动的时间轴线蜿蜒展开，单向的观展路径仿若呼应着设计师从不回望的创作决意。行至尽头，空间被柔和的纯白帷幕温柔包裹——这里呈现的是2009年春夏系列，即Margiela作为设计师的终章。该系列的四十个造型，各自对应他生涯中的一场秀。本次展览从中甄选部分代表作呈现，从他二十年间的重要主题与创作中汲取灵感，陈列方式模糊了时空关系。
2009秋冬系列
图一至图四：系列全貌共四十个造型，
各自对应其生涯秀场；
展览从中甄选部分代表作呈现。
© BY ART MATTERS 天目里美术馆
摄影：海深团队
他在秀场导览中写道：“二十年，四十场秀，数百件服装，留下的究竟是什么？”
如同古典乐一般，行至曲终篇章往往将结尾段落重新回归到主和弦。展览结尾处的白色帷幕也呼应着这位天才贯穿生涯对于设计的纯粹。当帷幕落下，为我们留下的是：二十年的实践和一个开放的回答。
Alexandre Samson
策展人
Ania Martchenko
展陈设计师
展览信息
马丁·马吉拉 1989–2009：女装系列
展期：2025年10月1日-2026年2月1日
（周一闭馆）
地址：杭州天目里6号楼 目里空间
摄影｜ 汪敏杰、海深团队
文、编辑｜ Nicole Wu
设计丨 Darki
助理｜孔钧达
部分图片及设计素材由天目里美术馆提供
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